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Imagem – Morgana Narjara

O Teatro Miçanga convida o público a percorrer as ruas da Várzea e de Santo Amaro, no Recife, com Quando um Lugar Teima em não desaparecer, espetáculo itinerante que articula palhaçaria, teatro cartográfico e intervenção urbana. Em cena, Amanda Pegado, André Alencar e Fernando Rybka interpretam três arqueonautas, viajantes de outros instantes que chegam em busca de vestígios do presente. Ao acompanhá-los, a plateia é convidada a observar as transformações dos bairros, suas memórias e as histórias que permanecem nas pessoas e nos espaços.

Na entrevista realizada por Márcio Andrade, o grupo percorre seus dez anos de trajetória, desde o interesse inicial pela literatura não dramática e pela ocupação de espaços alternativos até a criação de uma dramaturgia que se constrói em diálogo com a cidade. A conversa aborda as descobertas de Deslenhar, a experiência de proximidade mediada pelas telas em Tão de Perto e as pesquisas que levaram o Miçanga às ruas. Os artistas também refletem sobre a construção dos percursos de Quando um Lugar Teima em não desaparecer, as adaptações em cada território e os desafios para garantir a participação de diferentes públicos.

Criado no Recife em 2016, o Teatro Miçanga desenvolve uma pesquisa que aproxima criação cênica, formação e escuta dos espaços urbanos. Em projetos como O Espaço do Espectador, Várzea em Trânsito e Metendo o Nariz na Palhacidade, o grupo investiga como paisagens, trajetos, arquitetura e encontros podem interferir na dramaturgia e na experiência da plateia. Na atual temporada, com apresentações na Várzea e em Santo Amaro até 21 de novembro, essa investigação ganha novos caminhos: os bairros participam da criação e convidam artistas e espectadores a perceber a cidade como um território de histórias, disputas e possibilidades de encontro.

O Teatro Miçanga nasce em 2016, com interesse pela literatura não dramática, pela figura do ator narrador e pela ocupação de espaços alternativos. Nesses dez anos de trajetória, como as inquietações de vocês vêm se transformando sobre o próprio fazer teatral e também sobre a relação com o público desde então?

O “fazer teatral” dá pistas da sua própria continuidade. Quando nos juntamos em 2016, o gosto pela leitura não-dramática era algo que nos mobilizava e a ideia de ocupar espaços alternativos veio do desejo de manter vivo aquilo que nós iríamos criar. Numa cidade onde muitas vezes conseguir disponibilidade de pauta nas caixas cênicas tradicionais é difícil, criar um espetáculo que não dependesse desses locais para acontecer foi essencial para conseguirmos viabilizar a vida do trabalho. Assim, primeiro veio o nosso afeto, nossa curiosidade; e logo então a urgência de entender como fazer o sonho-espetáculo acontecer. De forma resumida, foi assim que Deslenhar – nosso primeiro espetáculo – surgiu.

A magia de estar compartilhando a peça em diferentes lugares (quintal, restaurante, associação de moradores, etc.) é que foi nos sensibilizando para o fato de que cada espaço que ocupávamos agregava suas características ao trabalho. Perceber isso nos guiou para a pesquisa Espaço do Espectador: pensando uma dramaturgia do espectador através de cartografias espaciais, em que ao mesmo tempo que exploramos territórios públicos, procuramos entender qual a dramaturgia vivida pelo espectador ao longo do espetáculo, expandindo a ideia de uma plateia que “recebe” para uma plateia que também compõe e vive a obra. Isso fez com que trabalhos, como as performances que compuseram Em relação: performances em afeto público, surgissem e, posteriormente, nosso espetáculo itinerante Quando um lugar teima em não desaparecer.

Imagem – Morgana Narjara

Durante a pandemia, ‘Tão de Perto’ levou a pesquisa do Miçanga para o ambiente virtual, propondo uma aproximação com o público por meio das telas. Como foi repensar a relação entre presença, intimidade e espaço nesse contexto, e o que dessa experiência permaneceu nas criações posteriores?

Foi desafiador, porque fazer teatro não se desengancha do viver. Finalizamos a pesquisa O Espaço do Espectador com uma oficina no final de semana anterior ao lock down. Em um dia estávamos com cerca de 20 artistas explorando a rua; e no outro a rua era um território inacessível e letal. Foi preciso abrir uma fenda na pesquisa que estava em processo para entender o jeito de viver que se impunha naquele momento, portanto também o jeito de fazer teatro que tínhamos à disposição.

Tão de Perto nos aproximou dos detalhes, da necessidade de olharmos uns para os outros e também para o que parece absolutamente habitual. Por causa da necessidade humana (e das artes cênicas!) de estar juntos, sabíamos que o espetáculo precisava ser ao vivo para que a sensação da presença naquele tanto de distância pudesse faiscar para nós e o público. 

No que diz respeito à intimidade e espaço, a dramaturgia não criava um “mundo novo”, senão que mostrava pessoas ordinárias, decupando, de forma extracotidiana, coisas do cotidiano. Assim, não existiam grandes cenários: a bicicleta de André continuava na sala, a rua que Fernando mostrava da janela era aquilo ali, as plantas de Amanda eram as que ela regava todos os dias, o corredor que Geraldo andava era do mesmo jeito quando ele estava fora de cena. As casas não eram mais ambientes privados. Eram cena e eram vida. Eram convite para observação. Esse convite para observar foi o que mais ficou conosco. Mesmo na amplitude da rua, tão diferente do aconchego da casa, há pequenos detalhes que brilham. Não ignorar o brilho das pequenas coisas enriquece nosso fazer artístico.  

Em ‘Quando um Lugar Teima em não desaparecer’, vocês propõem um espetáculo que começa em um espaço fechado e depois convida o público a seguir com os personagens (três arqueonautas) pelas ruas. Como aconteceu esse processo de criação, e quais relações de contrastes e de descobertas foram surgindo nos territórios que vocês escolheram para ocupar?

De início pensamos em trabalhar com uma obra literária mais uma vez, mas felizmente não conseguimos os direitos autorais. Dizemos “felizmente” pois essa negativa nos impulsionou a mergulhar de forma profunda na nossa própria autoria. Ensaiamos há anos no bairro da Várzea e o processo de criação foi um híbrido entre sala de ensaio e as ruas do bairro. Muitas vezes íamos para a rua, observávamos e mostrávamos o que naquele lugar nos chamou atenção, que histórias ele parecia contar. Noutras vezes, embebidos pelas trocas com Francis Wilker e Arilson Lopes na pesquisa O Espaço do Espectador, conversávamos com a arquitetura, criávamos histórias com os elementos que estavam ali. Nosso corpo ouvia o espaço e procurava canalizar essa escuta em cena. Líamos histórias, assistíamos reportagens, conversávamos com os moradores; depois brincávamos com tudo isso tanto em sala de ensaio, quanto na rua.

O bairro é coautor do nosso processo. A maneira como os moradores o ocupam, onde uma rua conecta com outra, os tempos que se sobrepõem num mesmo lugar, a história, a arquitetura, a geografia; e a própria memória do território e das pessoas foram a grande força motriz para uma metodologia de trabalho que posteriormente chamamos de “teatro cartográfico”. Percebe-se então que somos mais um elemento dentro dessa rede, onde nem tudo caminha de acordo com o nosso desejo. Por exemplo, hoje na Várzea só conseguimos apresentar nas segundas-feiras à noite pelo movimento do próprio bairro. Teria sido mais conveniente para nós e para o público marcar no final de semana, mas não foi possível. Às vezes idealizávamos um rumo para a dramaturgia, mas a rua nos conduzia à outra direção. Não tem como ignorar. Os outros bairros onde apresentamos também tiveram/têm voz ativa nas decisões dramatúrgicas ao adaptarmos o espetáculo. É como ter mais um membro no Teatro Miçanga. 

A acessibilidade vem atravessando a trajetória do grupo desde a versão em Libras de ‘Deslenhar’ e está presente também nas apresentações do novo espetáculo. Como vocês vêm pensando a participação de diferentes públicos na construção dos percursos de vocês e como elas aparecem neste espetáculo mais recente?

Na construção do espetáculo contamos com a consultoria de John-Elma Lopes, que é bailarina e usa cadeira de rodas para locomoção. Ela nos ajudou a pensar nos deslocamentos de uma cena para a outra, de modo a tornar o percurso mais acessível. Assim, observamos que embora a distância de um ponto A para um ponto B parecesse mais fácil para os corpos dos integrantes do grupo, isso não necessariamente se traduzia para os corpos de outras pessoas. Deste modo, mapeamos as transições entre cenas procurando levar em consideração a maior variedade de pessoas possível.

Alguns recursos de acessibilidade, porém, têm custo elevado, e um grupo independente como o Miçanga nem sempre consegue arcar com eles. É com alegria, portanto, que realizamos uma curta temporada de “Quando um lugar teima em não desaparecer” com intérpretes em todas as apresentações. Isso só foi possível graças ao financiamento da PNAB PE.

Outra barreira com que sempre esbarramos é a falta de acessibilidade das próprias cidades. Espetáculos e ações contam com soluções de acessibilidade, mas muitas vezes as condições de mobilidade urbana impedem que a pessoa com deficiência chegue ao local onde eles acontecem. Fazemos questão de destacar isso porque a acessibilidade é um direito previsto em lei. Por isso, é fundamental que o Estado se some aos artistas para ampliá-la.

Imagem – Morgana Narjara

Em pesquisas como ‘O Espaço do Espectador’, ‘Em Relação: performances em afeto público’, ‘Metendo o Nariz na Palhacidade’ e ‘Várzea em Trânsito’, vocês vêm investigando diferentes formas de encontro entre artistas, espectadores e a observação da cidade. Como essas experiências vêm se relacionando na trajetória de vocês na maneira como paisagens, trajetos e arquiteturas vêm integrando a construção das dramaturgias de vocês?

Olhando para trás, percebemos que essas pesquisas foram construindo um modo de criar em que a cidade deixa de ser cenário e passa a ser parceira de criação. Paisagens, trajetos e arquiteturas propõem cenas, desenham percursos e mudam o rumo da dramaturgia. Foi desse acúmulo que nasceu o que hoje chamamos de teatro cartográfico. Acreditamos que tudo começa quando nos propomos a sair da caixa cênica. O espaço provoca e convida, e o território constrói identidade. Quando operamos nele, ele nos traz coisas suas, nos propõe caminhos e abre possibilidades de exploração. Ao mesmo tempo, faz com que nos compreendamos como habitantes daquele território. Como tudo na arte, foi pesquisando, repetindo e testando que encontramos nossos artifícios.

Nossa primeira ida às ruas, com a pesquisa Irreversibilidade, foi para investigar uma ideia de massa crítica: como é estar na rua e quantas pessoas precisam estar fazendo algo ali para que aquilo seja reconhecido como arte. A rua tem tanta coisa acontecendo ao mesmo tempo… Em que momento o espaço público olha para algo no meio de tudo isso e enxerga arte?

Depois, em O Espaço do Espectador, fizemos uma escolha muito acertada nas pessoas que estiveram conosco na pesquisa, pois cada uma trouxe uma bagagem imensa. Dessas trocas nasceu uma base de trabalho, uma metodologia e um modo de pensar a cidade que seguiu presente nas nossas pesquisas seguintes. Em Várzea em Trânsito, por exemplo, mergulhamos em um território específico para explorá-lo e ampliar nossa percepção sobre ele. Já Em Relação é um desdobramento direto daquela experiência. Depois do isolamento da pandemia, foi ela que nos provocou a querer voltar à rua e reencontrar o outro a partir do afeto, porque era disso que precisávamos. Retomamos o que vínhamos fazendo e voltamos à cidade através do outro. Foi um jeito de respirar a cidade de novo.

Quando chegamos à palhaçaria, em Metendo o Nariz na Palhacidade, levamos esse olhar já muito aberto para a cidade, agora a partir da figura do palhaço. Usamos muito do que vínhamos testando e brincando há sete anos. Somos só três atores. Na sala de ensaio estamos sempre uns com os outros, e temos muita confiança entre nós. Na rua é diferente: lidamos com o desconhecido, com pessoas que nos oferecem muita coisa; e é com elas que interagimos, não com os mesmos parceiros de cena de sempre. Para um grupo de três, a rua é uma forma de atuar junto com muitos outros. Há muitos corpos ansiando por uma relação. Isso facilita muito a vida do palhaço, que precisa do outro.

É um processo conhecer cada vez mais esse território e nos relacionarmos com ele com naturalidade e afeto. A rua já não nos é desconhecida e passou a ser uma aliada. Sabemos que as incertezas do espaço público são oportunidades.